毫无疑问，中国当代艺术早已从30年前的地下、“非法”的状态走上了地面。不仅如此，近年来海内外各种展览频仍，再加上拍卖会的火爆、博览会的日多、天价的不断涌现，使其出吸引着各方眼球，创造着一个又一个神话。这一切无疑均是市场所赐。

但是，在繁华的商业成交背后，越来越多的本体问题开始慢慢浮出水面。人们又开始从使人眼花缭乱的价格数字的变幻，回到艺术，回到理论的思索。2008年，不少大型机构相继推出“无名画会”、“星星画会”、“85’新潮”此类大型回顾性展览，对那一时期的重要艺术现象、流派和作品的重新回视、讨论。可见人们开始重视史学脉络，因为成功的真正标志无疑只能是进入艺术史的书写。但是，在积极检视既往的同时，也反映出当前阶段学术界对中国当代艺术现状的疑惑，和对未来走向判断力的极度缺失。同时，对当下纷繁艺术样式的取舍不定，也成为艺术家的创作屏障。

自 85’新潮到90年代后期，当代艺术的发生和发展遵循着这样一个模式：首先发生的是创造性的行为和作品，随后它们被平实地记录下来。再后，各种流派、主义、风格被逐渐归纳和划分出来。这一朴素且有效的模式使那一阶段的中国当代艺术呈现出一个相对清晰的脉络。

然而，进入21世纪之后，中国当代艺术创作的创造力、前瞻性似乎日渐萎缩，我们常常窥见这些先锋因素的缺席。在艺术市场迅速崛起的同时，我们看到了勇气的缺失，市场的成功让艺术家变得谨小慎微，从而让创作失去鲜活，丢掉真实、先锋与探索，问题被轻轻掩盖，似乎于不觉间、于艺术家的无心无意中，生命力悄然消散。于是，前述模式被颠倒过来，方法和理论先行，作品多从概念出发，艺术家们一起卡通、一起注册符号、一起从众起舞，忘记了艺术创作最需要的就是个性元素。大量这类盲从式的艺术创作给众多旁观者造成了一种假想，那就是，中国当代艺术缺乏持续发展的可能性！

所幸后浪不断涌来，真正的艺术家也从来没有丢掉思考、离开独立，无论这思考达到何种高度。具有原创智慧的一些艺术家们正努力穿越这重重谜障，试图闪耀出属于他们时代的光亮。

从目前的现实状况来看，能够比较鲜明地保持原始创作热情、想象力和批判精神的主要有三类人。首先是经历了时间淘洗的前辈当代艺术家，虽然他们过去的创造已经变成现在的模式使他人受惠不少，但是他们自己没有随着既成的模式停滞下来。少年气盛时是他们的第一个高峰，神光内敛的四五十岁间或可达到创作的另一高峰，真正向大家迈进。

其次是新一辈中的耳聪目明者。他们往往对自己的社会责任和艺术使命有很清楚的认识，也对前辈的方法论了然于胸，但是没有选择因循已有的道路，仍然醉心于创造所带来的乐趣，并且有能力面对和试图解决在当下这一全新文化阶段中出现的全新问题。

最后，也是最难能可贵的一类，就是始终保留着纯真之眼的素人艺术家。他们的非专业性，使规避过去的知识陷阱成为可能，但朴素而有效的审美能力又使他们的作品往往能够穿越时空及各种人文因素而直达人心。

本次“A+A”展览所邀请的艺术家范明正、黄洋、康海涛、李红军、刘文涛、刘志懿、邵鲲、谭军、王光乐、韦嘉、魏言、吴笛、邬建安、熊宇、周文中，十五位恰恰囊括了上述所提三种类型。不知是巧合，还是撰文者的挖空心思？但努力创作的姿态是真挚的。不管属于哪个类型，这些作品均明显的和上一辈当代艺术家拉开了差距，也许不同年代的艺术家在自己所处时代均是先锋的、探索的，但显然，一个时代有一个时代的先锋，一个时代有一个时代的艺术家，一个时代有一个时代的艺术手法与模式。尽管在方法论、研究视角和对问题的解决手段上，他们各自都有不同的偏重，但是由内而外喷薄而出的生命力和创新精神则正是这个时代所赋予艺术的责任感。

中国当代艺术在没有支持、没有关注、没有赞助、没有市场的艰辛中生长，核心的能量来源就是创造力和批判精神，所以它是年轻的。这次参展的艺术家虽然在面临的问题、表现语言甚至视觉方式上均远离了前辈的情境，但是起步时的独立精神是一脉相承的。独立的精神与技术的难度使得他们拥有了骇人的年轻力量，拥有了似乎无限的可能。没有人能言之确凿地肯定这就是中国当代艺术未来的样式，但正在迅速成长的一代，正在以自己的方式，来书写艺术史却是无疑和不可抵挡的。

“A+A”经过偏锋新艺术空间三届的不断调整，已经由北京一地的小规模“学生艺术家”油画联展，嬗变为一个全国性的年度艺术平台展览，其艺术关照的多元化正在日渐走向纵深。展览的核心理念，也从最初的强调作品个性差异，逐渐演进到提出“年轻艺术”的概念。从参展作品，到艺术家，到展览本身，一切似乎均在悄然推向深入，从而让我们充满期待。